飄動而來的是夢，飄動而去的也是～夢

主辦單位：中華民國聲樂家協會、聯合副刊

●座談者：

向 陽（詩人、國立台北教育大學教授）

席慕德（聲樂家、國立師範大學教授）

孫清吉（聲樂家、東吳大學教授）

陳義芝（詩人、國立師範大學教授）

潘皇龍（作曲家、國立台北藝術大學教授）

李和莆（作曲家、國立師範大學教授）

宇文正（小說家、聯合副刊主編）

前言

在古老的年代，「詩、歌」本是一家，詩的呈現，往往伴隨音樂，即便沒有音樂，詩句本身抑揚頓挫的韻律感，也能讓詩富有音樂的元素。台灣的現代詩，在詩人紀弦倡導詩歌分離後，有段時間，音韻協調的必要性便受到質疑，然而這並非寫詩的絕對標準。新詩擺脫了格律限制後，詩人本身對音韻的控制能力便更顯重要，這衍伸到一個問題，沒嚴格押韻亦無格律的詩能不能入曲？如果能，要如何入曲？由中華民國聲樂家協會所策畫的「我們的詩人，我們的歌」音樂會，即是一場結合新詩和聲樂的音樂會，一共選了向陽、路寒袖、陳義芝、陳黎四位詩人各四首詩為詞，委託國內作曲家潘皇龍、游昌發、陳瓊瑜、李和莆譜曲，並邀請了七位聲樂家進行首演，希望透過這次全場委託創作的音樂會，結合詩、曲、演唱、譜和唱片的出版，為國內創造出傳唱不衰的經典作品。此外，聲樂家演唱歌曲，通常只能透過譜上的記號、作曲家的傳記和本身對音樂、歌詞意境的理解來詮釋作品，此次座談會是難得能和作曲家、詩人面對面討論對於歌曲創作及歌詞意境的機會，藉此交流，聲樂家們能更明白如何詮釋這些作品，讓此次音樂會更臻圓滿。

新詩如何入曲

中文系出身的詩人陳義芝在大學時期，曾寫過古典詩的習作，創作新詩時，一向很注意用韻和分節的方式，他認為，新詩不需要遵守古典詩要求的平仄，相近的韻也可以互押（如他在1990年代寫的〈春之祭〉、〈我思索我焦慮〉），換韻可以造成一種錯落的美感，現代詩若太講究押韻，反而像寫打油詩，可是，詩句使用的語言若完全和日常用語相同，也無法凸顯文學之美，如何在二者間找到平衡點是很重要的。但新詩不押韻，句子長短不一，他因此對於新詩如何入樂十分好奇。

詩人向陽曾試圖創作音樂搭配詩作，力不從心下只好作罷，他說，詩是啞了的弦，譜成曲是和音樂美麗的邂逅，詩若和歌切開，就沒有靈魂，詩人要透過語言文字的韻律，創造出「詩籟」；他從年輕時開始寫的詩就有押韻，也會換韻，不同的韻腳，可為詩的段落帶來不同的感受。詩是否能歌，和詩句的長短也有關聯，長短適中或許比較方便入樂，句子太長，大概只能用饒舌歌才能表現了。

作曲家潘皇龍指出，現在作曲的語法多變，任何詩詞都可以入曲，詞語的意境也可以歌詞器樂化的方式表達，如義大利作曲家貝里歐（Luciano Berio）的〈Circle〉，作曲家把構成詞句的母音分開當作音響色彩的一部分，若不對照歌詞，很難當場聽懂。也可直接用器樂營造詞曲的意境，潘皇龍以自己的〈楓橋夜泊〉為例，即是以器樂直接塑造歌詞情境的作品。另外，他曾以德文版〈禮運大同篇〉入曲，他說中文原詞，比較難讓聽眾第一次就聽進去，但是德文翻譯卻明朗易懂，還有五種譯本可讓作曲家挑選，找到最適合的句子放入音樂。中文因為有五種語調，入樂之後更加深了難度，他挑戰過趙元任的「新國語朗誦教材」，通篇由一二三四聲、四字一句（如「高朋滿座」）構成，這考驗了作曲家掌握語調以及變奏技巧的程度。

曾獲得金曲獎的作曲家李和莆也認同潘皇龍的說法，並補充以詩入曲時，最大的差別在於判斷詩作的想法，以不同語法營造適合的樂曲氛圍。拿此次音樂會為例，譜路寒袖歌謠性的詩作便攙入Jazz的風格營造氣氛，陳黎的〈梳子〉則以比較前衛的語法表達。就以往的創作經驗，他常發現，在電腦上模擬的音響，和實際演奏是有差別的，每次作品演出後他都會記取經驗，希望在下次創作時更能掌握臨場演出的效果。

透過音樂更了解詩詞

身為聲樂家，也是這次委託創作演唱會的製作人，席慕德說，她對於詩詞的認識，大部分是透過歌曲。當詩入歌後有了自己獨特的生命，旋律的進行、音樂的張力、和聲的變化，對於詮釋詩詞的內容有很大的影響。如果作曲家能充分掌握詩詞的節奏和意境，音樂就能增加歌者對詩詞內涵的想像。曾有樂評家說聲樂家對歌曲意境掌握不足，實在是非戰之罪，像三四十年代的歌曲，不管內容婉約或慷慨激昂，往往以高音大聲結束，如〈教我如何不想他〉，最後一句就是這樣，這是作曲家要求的，歌者只能照做（列席、與會聲樂家紛紛點頭如搗蒜）。德國的藝術歌曲，則常以弱低音結尾，呈現一種寧靜幽遠的感覺。當代台灣的作曲家就不一樣了，他們各有不同的風格，也有很多精緻的作品，如錢南章以洛夫詩作入曲的〈因為風的緣故〉，充滿了田園風格，陳茂萱譜的余光中〈踢踢踏〉，就很符合詩詞裡要求的節奏感，馬水龍以李商隱〈無題〉入曲的作品，也有「春蠶到死絲方盡」那種熱情。

潘皇龍補充道，以往有些愛國歌曲，作曲家沒掌握好語氣，會讓「保衛大台灣」聽起來像「包圍打台灣」，若加上歌者咬字不好，「都是你」也會聽起來像「鬥死你」。（全場爆笑）

聲樂家孫清吉說，作曲家規定好了樂曲大部分的表現方式，歌者除去本身技巧面，最難表達的就是意境，任何母音的拉長縮短、樂句提前或延宕的時間點，都可能影響音樂的味道，音樂成與不成就在這些細微之處。錄音技術發明前，聲樂家都是無聲的一群，現在透過錄音，能讓聲音流傳，對於當代作品的詮釋上，與作曲家、詩人的溝通，更是演唱前重要的功課。

向陽說，曾有人拿他的詩作譜曲，卻因音樂上的需要而要求稍微更動詩句，他答應了，但他更佩服的是完全不需更動卻也能完美掌握詩句的作曲家，如李泰祥就非常厲害。他很希望能有更多國內詩作被譜曲，讓更多人傳唱，使台灣成為一個充滿心靈之美的國度。

音樂讓詩歌廣為流傳

席慕德說，若非舒伯特寫出聯篇歌曲〈美麗的磨坊少女〉、〈冬之旅〉，現在可能沒有多少人會記得詩人Wilhelm Mller，若非沃爾夫（Hugo Wolf）以詩人莫里克（Eduard Mrike）的作品譜出五十三首藝術歌曲，並以詩人之名結集出版，恐怕現在也不會有人認為Mrike是世界級詩人。但也有較悲涼的例子，如大詩人歌德，他認為自己的詩作的音韻已達完美，若要入曲，最中意反覆單調的旋律，因此，舒伯特將〈魔王〉等曲子呈給他時，他幾乎不聞不問，直到舒伯特死後，歌德終於聽到，才大加讚譽，如果歌德當時能耐心聆聽舒伯特的譜曲並加以提拔，或許舒伯特就不會潦倒以終了。

座談正式開始前，席慕德曾介紹在場的聲樂家和作曲家，個個都擁有留學歐美的高學歷，陳義芝笑稱，四位入曲的詩人，都是在台灣受教育沒有走出去的，不過，這個機會讓作曲家成為詩人的「舒伯特」，乘著歌聲的翅膀，讓海內外更多人能欣賞到他們的詩作。

小說家宇文正十分羨慕詩人的作品可以入曲，直說要改行創作新詩。她指出，「聲協」前兩場委託創作的音樂會，選入的是余光中、洛夫、席慕蓉那輩的詩人，此次音樂會參與的，剛好轉移到詩壇的下一個世代，十分有承傳的意味。

最後，席慕德提醒，4月20日和27日兩天是音樂會的彩排日，希望作曲者和作詞者都能蒞臨現場指導，特別是詩詞中的特殊咬字，如台語詩作中可能產生歧異的發音，和國語詩作中要發「的」還是「地」的「的」字，需要和詩人取得共識，也希望詩人和作曲家都能留下約一百字的創作概念或是注意事項，讓後世的演唱家，在樂曲的背景上更添知識。

這次詩詞和音樂的美麗邂逅，究竟會擦出什麼樣的火花呢？就請大家拭目以待了。